C.4 Latin American and Caribbean Art(s): From Where? From Whom?

C.4 Art(s) latino-américain(s) et caraïben(s) : À partir d’où ? De la part de qui ?

thu Oct 21 / jeu 21 oct / 9:00 – 10:30 PDT
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chair / présidente /

  • Alena Robin, Western University

This open session invites scholars, curators, and artists to share their current research on Latin American and Caribbean art(s). The goal is to create dialogue and exchange on the state of those fields. We welcome both contemporary and historical perspectives (from the pre-Columbian period to the present day) and the exploration of a variety of media (painting, sculpture, installation, photography, performance, socially engaged practices, new media, architecture, etc.). We are interested in examining the historical and contemporary presence of Latin American and Caribbean art(s)/artists beyond their traditional geopolitical borders; the inherent intersectionality of those concepts, and also their transmutation in light of past and current migratory and activist movements, technological advances, and sanitary crises; any other topic on art and artists in Latin America and the Caribbean delving into, for instance, the Caribbean's complex relationship to Latin American.

Alena Robin is an Associate Professor and Chair in the Department of Visual Arts at Western University (Canada). She specializes in religious art from New Spain, specifically on the representation of the Passion of Christ. Other fields of interest are theories of art and artistic literature in the Hispanic world, the historiography of painting in New Spain, issues of the conservation and restoration of cultural heritage, and the presence of Latin American art in Canada. She is the author of Las capillas del Vía Crucis de la ciudad de México. Arte, patrocinio y sacralización del espacio (Universidad Nacional Autonoma de Mexico, 2014).

C.4.1 Women at the Cusp: Informalismo in 1950s Buenos Aires

Ayelen Pagnanelli, Universidad de San Martín

Writing art history in the time of Ni Una Menos, a grassroots feminist movement that has shaken Argentina since 2015, means writing for a society with a renewed sense of women in history. The participation of a large number of women in Informalismo has largely been ignored, despite their presence in museum collections. Art history's pervasive biases towards women's artistic contributions have hindered our ability to read them. Argentine Informalismo has been included in canonical readings of both the Argentine avant-garde and global narratives of contemporary art. It has often been invoked in the works of Alberto Greco and Kenneth Kemble. At the intersection of Latin American Art and Gender Studies, this presentation's objective is to revisit the Argentine Informalist art scene from a feminist perspective, addressing women's contributions.

I delve into the artistic production of Silvia Torras, Noemí Di Benedetto, and Inés Blumencweig. Torras was part of "Arte Destructivo," an experience that bent the limits of the creative process by introducing destruction, Noemí Di Benedetto worked beyond the canvas, and Inés Blumencweig bridged the avant-gardes of Argentina and Japan. I argue that their radical gestures, be they a critique of gendered social norms, a challenge of the limits between painting and sculpture, or an engagement with global avant-gardes, precluded the shift towards contemporary art. Thus, I make a case for women's participation as a force in the making of Latin American art histories at the juncture between modern and contemporary art.

Ayelen Pagnanelli is a Doctoral Fellow at Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET) and a PhD Candidate examining gender and sexuality in the abstract art scenes in Buenos Aires from 1937 to 1963 at the Centro de Investigaciones en Arte y Patrimonio, UNSAM. Pagnanelli holds an MA in Argentine and Latin American Art History from Instituto de Altos Estudios Sociales, Universidad Nacional de San Martín and a BA in Gender Studies and Studio Art from Skidmore College. Pagnanelli has been awarded a Princeton University Libraries Grant for the year 2020–21.

C.4.2 La révolte dans la chair : corporéités dissidentes et action politique dans l'art performatif du collectif Mujeres Creando

Johanna Renard, Université de Strasbourg

Chorégraphies de la colère, performances de la révolte : depuis le début des années 1990 le collectif anarcho-féministe bolivien Mujeres Creando s'approprie l'espace public par l'entremise d'interventions artistiques, entre graffitis et performances. Fusionnant le politique et l'artistique, elles mettent en scène leurs revendications féministes dans des actions performatives de rue, interpellant les passants, les conviant à un repas partagé, aspergeant l'espace et les corps de sang, défilant dans des costumes symbolisant les oppressions subies, se dénudant devant l'institution religieuse ou encore déclamant des discours qui partent du vécu intime pour le relier aux nécessités collectives. De tels gestes transgressent fortement les restrictions imposées aux femmes dans la sphère publique bolivienne. Ces actes de rébellion collective affirment de surcroît une alliance féministe entre des femmes considérées comme « mauvaises » par l'ordre social dominant : indiennes, domestiques, prostituées, lesbiennes, autant de femmes marginalisées qui dérogent aux normes de genre. Se revendiquant « agitatrices de rue » plutôt qu'artistes, les Mujeres Creando refusent toute dimension spectaculaire et exhibitionniste, envisageant plutôt l'art-action comme un espace de réflexion politique, de dérèglement et de transformation de la société. Entre esthétique anarchiste, politique du désordre et alliances subalternes, quels sont les enjeux corporels, politiques et théoriques des actes d'insubordination sociale réalisés par les Mujeres Creando? À la lumière des vidéo-performances du collectif, documentant leurs actions de rue, ma contribution montrera comment les actions performatives explosives et révoltées des Mujeres Creando développent une pensée politique « concrète » à partir du corps féminin en mouvement, une véritable « théorie dans la chair », pour reprendre le concept proposé par Gloria Anzaldúa et Cherríe Moraga dans This Bridge Called my Back. Writings by Radical Women of Color (1981).

Docteure en histoire et critique des arts de l'université Rennes 2, Johanna Renard est l'autrice d'une thèse intitulée Poétique et politique de l'ennui dans la danse et le cinéma d'Yvonne Rainer, à paraître en septembre 2021 chez De l'incidence Éditeur. Ses recherches sur l'histoire et la théorie de l'art contemporain depuis les années 1960 explorent les rencontres et les croisements entre arts visuels, performance, danse, cinéma expérimental et art vidéo. S'intéressant plus particulièrement aux femmes artistes, sa réflexion est nourrie par l'histoire sociale de l'art et les études de genre. Elle a co-dirigé avec Marie-laure Allain Bonilla, Emilie Blanc et Elvan Zabunyan une anthologie de textes intitulée Constellations. Pour une histoire féministe de l'art, publiée en 2020 aux Éditions iXe. Elle enseigne l'histoire et la théorie des arts à l'Université de Strasbourg.

C.4.3 "Within and around the great gulf of sea:" Cartographies of Kinship in the Making of the Caribbean Festival of Arts (Carifesta)

Adrienne Rooney, Rice University

This paper argues that the Caribbean Festival of Arts (Carifesta) was envisioned as a praxis of decolonization and reorientation. At the invitation of Guyana's Prime Minister in 1970, a council of artists and writers gathered in the newly independent nation to envision the regional event. Many attendees aimed to provide a platform to confront colonialism, slavery and the protracted plantation economy via cultural expression. I posit that encouraging the festival's eventual mass audience to look inward and regionally rather than to former or current colonial centers for metrics of aesthetics and culture was integral to their aims. While the Guyanese government first imagined the festival encompassing the region's English-speaking nations and territories, it quickly evolved. A question posed at the 1970 meeting — "Are we going to accept, from our erstwhile masters, a definition of this area in terms only of territories formerly owned by them?" — was answered with a resounding no. In conceptualizing Carifesta's geographic scope, the artists and writers sought to demarcate the Caribbean widely, across colonially defined linguistic fissions, and according to a "multi-lingual plantation culture," which includes the hacienda. For its first iteration, held in 1972, Carifesta invited artists to represent the entire northern coast of South America, Brazil, Chile, Mexico, Panama and Peru. Its boundaries would expand in subsequent iterations, embracing the US states of Louisiana and Florida, among other locations. Contextualizing primary source material on the festival's geography within contemporaneous, local discourse on colonialism and cultures of kinship grounded in histories of labour in the Americas, this paper posits that Carifesta emerged as a hemispheric festival of resistance. It shows that just as the council refused colonial cartography, so too it turned away from Europe and Anglo-America — and ultimately from whiteness — for the festival's artistic standards, which were formed by practitioners "within and around the great gulf of [the Caribbean] sea."

Adrienne Rooney, a PhD Candidate in Art History at Rice University, studies twentieth-century art and visual culture in the Americas, with a focus on the Circum-Caribbean and the United States. Her dissertation, tentatively titled Against Cultural Dependency: Aesthetics and Economics in the Caribbean Festival of Arts (Carifesta), 1966–1981, studies the conceptualization of this monumental, transnational, ongoing festival and the visual culture foregrounded in its first four iterations in Guyana in 1972, Jamaica in 1976, Cuba in 1979, and Barbados in 1981. She has presented her work at conferences and institutions in the Caribbean, UK and US. Her work has been supported by the Paul Mellon Centre in London, the Wagoner Scholarship at Rice, and the Rose Library at Emory University. Prior to Rice, she worked as a curatorial assistant at the Whitney Museum of American Art (2012–15). She received her BA from Barnard College/Columbia University (2012).

C.4.4 Intersections, alliances ou concurrences ? Art latino-canadien et latino-américain à Montréal au 21e siècle

Analays Alvarez Hernandez, Université de Montréal

La ville Montréal, qui a historiquement tissé des liens culturels, économiques, sociaux, voire diplomatiques avec différents pays de l'Amérique latine, a été témoin, dans les deux dernières décennies, d'un ensemble d'initiatives sur son territoire mettant de l'avant l'art et les artistes latino-américain.e.s. Le Musée des beaux-arts de Montréal semble avoir donné un élan particulier à cette mouvance en 2008 avec la méga-exposition « ¡Cuba ! Art et histoire de 1868 à nos jours ». D'autres institutions artistiques, telles que le Musée d'art contemporain de Montréal avec les expositions de Teresa Margolles (2017) et de Francis Alÿs (2019) et la Fondation Phi pour l'art contemporain avec l'exposition collective intitulée « Imagine Brazil » (2015–16), ont consolidé le statut de Montréal en tant que « destination » d'(art)istes latino-américain.e.s au Canada. Cet engouement apparait directement relié à la transformation de l'Amérique latine en région « géo-esthétique » (Barriendos, 2009), notamment par les forces du marché de l'art à l'heure de la mondialisation. Cet état des choses me permet d'affirmer que les musées, les galeries privées, universitaires et municipales, les centres d'artistes et les fondations artistiques à Montréal semblent manifester un engouement vif et exponentiel pour les (art)istes d'Amérique latine ainsi que pour celles/ceux de la diaspora latino-américaine au Canada. Pourtant, les artistes de cette diaspora sont (toujours) aux prises avec des enjeux d'invisibilité et de sous-représentation, et peu d'entre elles/eux ont accès aux institutions artistiques d'envergure. Cette communication visera à vérifier, notamment, si les occurrences de l'art latino-américain moderne et contemporain favorisent l'épanouissement professionnel des artistes de cette diaspora ou si, au contraire, elles contribuent plutôt au renforcement d'une certaine « condition de subalternité » associée à ces dernier.ère.s ; une condition qui puise ses racines dans des critères raciaux ou linguistiques étroitement associés au régime de colonialité (du pouvoir) instauré dans les sociétés modernes.

Analays Alvarez Hernandez est historienne de l'art, commissaire d'exposition indépendante et professeure adjointe au département d'histoire de l'art et d'études cinématographiques de l'Université de Montréal. Alvarez Hernandez s'intéresse aux pratiques artistiques actuelles, principalement à celles qui se déroulent dans l'espace public, qu'elle étudie à la lumière des études postcoloniales, décoloniales et diasporiques. Avec le soutien du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH), ses principaux projets de recherche portent sur les « galeries domestiques » dans des sociétés (post)-socialistes, ainsi que sur les artistes de la diaspora latino-américaine au Canada.